Prix Pictet 2014: Consumption

Debutando en Latinoamérica, llega al Museo Nacional de Arte (MUNAL) la exposición que presenta a los once finalistas del premio que en 2008 fundó el grupo Pictet y ha quedado establecido como el mejor de fotografía relacionada con sustentabilidad. Su intención es difundir imágenes comprometidas con el tema, para crear consciencia y trabajar con los retos de medio ambiente que tenemos hoy en día. Sólo hay un primer lugar, al que se otorgan 100 mil francos suizos y la comisión de hacer un viaje a alguna región donde Pictet esté financiando un proyecto de sustentabilidad.

CONSUMISMO (CONSUMTION)

El tema del quinto ciclo del Prix Pictet, además de ser controversial, es parte de la misión central del premio: llamar la atención global hacia uno de los retos actuales más grandes de la humanidad: la sustentabilidad ambiental. Así, porque es un tema tan extenso que envuelve todo o casi todo lo relacionado con el ser humano, y partiendo de que TODOS somos consumidores, el abanico de imágenes y su tratamiento es inmenso.

Este año 2014 el premio fue otorgado al  alemán Michael Schmidt por la serie Lebensmittel (Alimentos). Las imágenes incluyen detalles tanto de alimentos al natural, como de los procesos a los que son sometidos: podemos encontrar un cartón para empacar huevos, bolsas de carne etiquetadas, restos de cosechas en un campo ya desierto, ubres atrapadas por bombas saca leches, espaldas de cerdos enfilados esperando turno en el rastro, etcétera.

El tamaño de las impresiones unifica la serie pues, si bien está toda relacionada con los alimentos, es muy variada en el tratamiento de las imágenes porque mezcla color con blanco y negro, y tomas abiertas de arquitectura con detalles cerrados de etiquetas, por ejemplo.

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Lamentablemente, el creador de la serie murió tres días después de recibir el premio, situación que obligó al jurado a nombrar un “suplente” para tomar la segunda parte del premio, que consiste en la comisión de hacer un viaje a alguna región donde Pictet esté financiando un proyecto de sustentabilidad.

El elegido fue el fotógrafo colombiano Juan Fernando Herrán, seleccionado dentro de los once finalistas de 2014 por la serie Escalas, cuya definida composición geométrica y sus impresiones de gran formato en color nos acercan a los detalles de construcción y materiales utilizados en asentamientos “emergentes” en las afueras de las grandes ciudades.

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Su nuevo proyecto consiste en relacionar los productos de consumo masivo con las necesidades básicas de algunas comunidades indígenas de áreas remotas de Colombia, la misión se llevará a cabo en conjunto con OneAction (una asociación que promueve proyectos de sustentabilidad en Latinoamérica), y el resultado se exhibirán en Londres al final de 2015.

Después de honrar a los elegidos por el jurado, uno de los trabajos más interesantes, tanto visual como conceptualmente es el de Hong Hao, un estudiante de la Central Academy of Fine Arts de Beijing, quien nos entrega una colección de objetos escaneados. Durante 12 años, (número importante en China, por su relación ente ciclos y destino) el artista juntó, día con día, todos los objetos que consumió y los escanea uno a uno. Los clasificó en archivos por categoría y los guardó para después hacer colleges e impresiones de gran formato a color. Él compara esta actividad con una práctica de yoga diaria, por un lado, porque es un hábito que le sirve para ver-se en su vida día a día, y por otro, al utilizarlo como herramienta para observar la condición humana en una sociedad consumista.

Aunque el artista está convencido de que al hacer un recuento de los objetos utilizados podemos tomar consciencia de la cantidad y calidad de elementos que utilizamos, de cuáles son esenciales y de cuáles podemos prescindir, y de cómo es la relación entre las necesidades y las neurosis personales, su serie, me atrevería a decir, nos deja ver una educación más tendiente al Diseño Gráfico que logra una armonía entre las formas, colores y el acomodo minucioso de cada elemento en cada una de las impresiones que las convierte en un gozo estético.

Y sin embargo, ver cuidadosamente cada una considerando el objetivo del proyecto es un verdadero paraíso para el voyerista.

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De los objetos perfectamente acomodados y clasificados saltamos a los bazares, ventas de garaje, de jardín, todo de cosas usadas. Dada la popularidad de estas ventas en su país, el fotógrafo estadounidense Adam Bartos documenta este reciclaje, que si originalmente era muy socorrido para las personas de bajos recursos, hoy en día es una práctica consciente de una parte de la sociedad que contempla la gran necesidad de reUsar y reCiclar todo tipo de objetos y materiales con la meta de no crear más desperdicios en el planeta. Discurso con que el del artista nos da un recorrido por “plantíos” de objetos usados usandoimágenes pequeñas de los objetos que halla.

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La artista japonesa Motoyuki Daifú exhibe una tour al interior de su casa, sus parientes, su vida diaria… o mejor dicho, sus consumos diarios y el mar de desperdicios que se pueden contener en un departamento talla Tokio.

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Mishka Henner regala paisajes panorámicos de tal sutileza visual que, a través de manchas de color y composiciones abstractas, hace que en vez de fotos sus piezas parezcan pinturas gigantes al óleo… hasta que al acercarnos comenzamos a distinguir texturas y formas que, combinados con su discurso, hacen que la piel se nos enchine: la serie está dedicada a dos grandes industrias de consumo humano en Estados Unidos: el petróleo y la carne de vacuno. Sin más palabras, para no contar el final de la película, esta serie es para verla sentado.

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Allan Sekula mantiene el tono y habla de industrias abandonadas, espacios cambiantes, viajes por astilleros, fábricas, locales y, en general espacios fuera de uso, o no, porque hoy se usan para actividades totalmente distintas para las que fueron construidos.

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Mientras los espacios se transforman, los negocios y publicidad van modificando por completo el estilo de vida. Boris Mikhailov (ucraniano) comparte un trabajo de 10 años, de fotografías de la vida diaria en comunidades de su país donde, según sus propias palabras, el entorno ya se ha vuelto “una realidad de plástico. Todo se vende y se compra en la era de los negocios, hasta niños…”

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Abraham Oghobase, nos da una serie que no sabríamos de golpe si clasificar como grafiti, poesía callejera o por lo que realmente son, anuncios de servicios. Dada la realidad económica y social de Laos, la capital de Nigeria, donde se tomó este compendio, los espacios y los recursos son aprovechados al máximo, por lo que los muros sirven para vender u ofrecer mercancía y servicios. Interesante la manera de hacer una guerrilla contra los monopolios publicitarios y poder documentarlo.

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En Holanda, Rineke Dijkstra toma como modelo a una niña refugiada, recién llegada de Bosnia con su familia. El largo tiempo de incubación de este proyecto vale la pena al ver la increíble transformación y adaptación de la personalidad, actitud y físico de la modelo fotografiada cada dos años en promedio.

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Al final de la lista, pero no por menor importancia sino, quizás desde un punto de vista muy personal, como cúspide del concepto de consumismo llevado a su máxima expresión tenemos un objeto que se compra y manda a hacer al gusto, siendo posible pedir todos los detalles imaginables para la mente y deseo humanos, empezando por la textura, la medida, los tonos, hasta los accesorios.

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Esto es lo que hizo Comprando a un fabricante japonés una muñeca de latex hecha a escala humana, Laurie Simmons documentó día a día la vida de esta “Love Doll”, nombre comercial del personaje, desde su llegada en una caja de cartón, cambiándola de ropa, espacio y actividad, volviéndose su compañera de vida.

Gran juguete para estudios de antropología humana.

La exposición estará en el Museo Nacional de Arte (Tacuba 8, Centro) hasta el 29 de marzo de 2015

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